VENISE : « La broderie que vous voyez représente ce qu’il reste du tissu vernaculaire dans le centre de Riyad », explique Sara Alissa, l'une des deux fondatrices de Syn Architects, un petit cabinet de recherche fondé en 2019 avec Nojoud Alsudairi. « Ce qui est intéressant, c’est que lorsque les visiteurs comprennent ce que la broderie évoque, ils sont soit frappés par la quantité qui subsiste, soit par la rareté de ce qui demeure. »

Alissa est assise sur une longue table sculpturale qui occupe l'axe central du pavillon national de l'Arabie saoudite. C'est le deuxième jour des avant-premières de la Biennale d'architecture de Venise, et tous les regards sont tournés vers "L'école Um Slaim, une architecture de la connexion". Présentée jusqu'au 23 novembre et commandée par la Commission d'architecture et de design du ministère de la culture, l'exposition est un moment de vérité pour Alissa et Alsudairi, qui ont consacré leur carrière à la conception d'architectures sensibles à l'environnement.

Conçu comme une archive vivante et un centre de rassemblement communautaire, le pavillon présente le travail du collectif Um Slaim, un espace de recherche, d'exposition et d'atelier fondé par Syn Architects en 2021. Dédié à l'étude du déplacement de l'architecture Najdi dans le centre de Riyad, le collectif - ou laboratoire - est une manifestation physique de la recherche du cabinet, qui s'appuie sur les théories architecturales locales, les pratiques créatives et les histoires environnementales pour examiner l'impact de l'expansion urbaine rapide sur le centre de Riyad. Selon Alsudairi, qui n'a pas pu se rendre à Venise, il s'agit d'une tentative locale de collecter l'histoire, les données et la recherche afin de repenser à la fois les espaces urbains et les communautés de voisinage.  

Par essence, le pavillon est une évolution du travail du duo et sert de rampe de lancement à l'école Um Slaim - une plateforme pédagogique propositionnelle qui s'appuie sur le travail de Syn Architects et du collectif Um Slaim. Il s'agit donc d'une réévaluation du rôle des architectes dans une ville comme Riyad et d'un nouveau modèle d'enseignement de l'architecture en Arabie saoudite, qui associe des connaissances historiques à des pratiques contemporaines pour créer des espaces partagés d'apprentissage, de fabrication et d'échange culturel.

"C'est un laboratoire plus raffiné que celui que nous avons à Riyad", explique Alissa à propos du pavillon, dont le commissariat est assuré par Beatrice Leanza avec l'aide de l'artiste saoudienne interdisciplinaire et commissaire d'exposition Sara Almutlaq. "Nous ne savons pas ce qui va se passer, mais nous voulions présenter à Venise quelque chose dont nous pourrions bénéficier par la suite, et non quelque chose qui serait jeté juste après la fermeture de l'exposition. Nous voulions également créer une expérience et un sentiment avec lesquels les gens puissent repartir."  

Alissa est assise dans un "bâtiment dans le bâtiment". Située dans l'Arsenale - l'un des deux sites principaux de la biennale - l'exposition du pavillon présente quatre rangées d'échafaudages enveloppés de textiles superposés. Ces textiles, brodés de cartes représentant les neuf quartiers du centre de Riyad et de divers dessins, sont entrecoupés de films, d'écrits et de photographies, qui explorent tous les histoires et les relations tissées dans le tissu architectural de Riyad. L'exposition comprend une installation sonore immersive créée par Mohammed Alhamdan, qui superpose des enregistrements urbains de Riyad, de la construction de la ville et des chants traditionnels de bâtisseurs.  

L'installation d'Alhamdan est l'une des trois nouvelles commandes intégrées à l'exposition. Installée dans l'un des murs d'échafaudage, l'œuvre "Tamwenat Addirah" de l'artiste saoudienne Maha Malluh explore l'identité du quartier d'Um Slaim à travers des objets collectés sur le marché. Ailleurs, la photographie de Laurian Ghinițoiu documente les rythmes ritualisés de la vie quotidienne. Parallèlement, la photographie de Mansour Alsofi capture des bâtiments modernistes et postmodernistes de la ville, tandis que des photographies historiques et des livres d'archives retracent son développement urbain et architectural. Tous les artistes et photographes ont déjà collaboré avec Syn Architects.  

De nature éphémère, l'espace met en lumière certains des projets et interventions réalisés par Syn Architects au cours des cinq dernières années, notamment le centre culturel Shamalat, un ancien bâtiment en terre situé à la périphérie de Diriyah, qui a été transformé en centre culturel par Malluh et rénové par les architectes en 2022. Alissa et Alsudairi ont récemment reçu le prix Moira Gemmill pour l'architecture émergente pour leur réimagination de la maison traditionnelle en terre par le biais de la restauration et de l'ajout.

"Lorsque Nojoud et moi avons créé notre cabinet, nous nous sommes sentis investis d'une responsabilité", déclare Alissa. "Nous sommes de jeunes architectes saoudiens travaillant en ville et nous voulions créer, ou aider à créer, ce langage architectural contemporain dans le pays. Nous avons ressenti le besoin d'explorer réellement notre tissu bâti historique, mais aussi les valeurs qu'il renferme. Nous plaidons en faveur de la restauration au sens physique, mais aussi au sens immatériel, en rétablissant les valeurs de succès associées à l'architecture Najdi."

Le travail du duo habite l'espace métaphorique entre le bâtiment et l'échafaudage, explique Alsudairi, et cherche à défier à la fois la négligence et l'excès de romantisme - en faisant revivre les structures vernaculaires non pas comme des reliques ou des ruines, mais comme des éléments fonctionnels et vivants au sein du tissu urbain. Il examine également la manière dont la préservation culturelle et le design contemporain peuvent coexister. Ce faisant, leur objectif est de restaurer les connaissances, de préserver et, en fin de compte, de partager ce qu'ils ont appris.

"Nous ne voulions pas nous écarter du travail de base que nous avons effectué avec le collectif Um Slaim, et nous avons donc choisi de nous appuyer sur ce travail", explique Alsudairi. "Nous y avons vu une occasion précieuse d'élargir l'objectif de partage des connaissances du collectif et d'évoluer vers quelque chose de plus permanent. Pour l'instant, l'école est un projet propositionnel, mais imaginez la valeur de la création d'une école qui soit vraiment spécifique à un site, dans le sens où elle n'importe pas de connaissances, mais se développe à partir de son propre contexte."

Ces derniers mois ont été très mouvementés pour le jeune studio, qui a été propulsé sous les feux de la rampe depuis l'annonce de la création du pavillon saoudien au début du mois de février.   

"Avant de venir à Venise, j'ai dit à ma fille que je serais absente pour la biennale", raconte Alissa. "Elle a sept ans, elle est consciente et elle comprend en quelque sorte ce que nous faisons. Elle m'a dit : "Oh, j'espère que tu vas gagner à Venise". Je lui ai répondu qu'il ne s'agissait pas de gagner. Puis elle m'a envoyé un message disant : "Je me fiche que tu gagnes. Je suis juste heureuse que tu fasses ce que tu fais". C'était si gentil.  

"Parfois, nous nous sentons dépassés et nous ne sommes pas sûrs de vouloir continuer à cause de la difficulté de la situation. Mais ensuite, nous avons ces moments - que ce soit de la part de nos enfants, des gens qui nous entourent ou les uns des autres. Je pense que c'est quelque chose que nous disons rarement à voix haute, mais avoir un partenaire avec qui traverser tout cela est vraiment essentiel."

L'exposition s'accompagne d'un programme complémentaire de séances de travail et de séances publiques dirigées par Leanza et soutenues par l'architecte, chercheuse et photographe bahreïnienne Maryam AlNoaimi. Il comprend des conférences, des ateliers, des performances, des projections, des lectures et des promenades qui visent à favoriser le dialogue sur la manière dont l'architecture influence l'éducation et les pratiques communautaires.

"Je mentirais si je disais que nous avons un plan exact de notre destination, car cela ne faisait pas partie de nos plans", déclare Alissa. "Nous aspirions certainement à participer à la Biennale, mais jamais pour une durée aussi longue. Tant que nous continuons à apprendre en cours de route, je pense que l'objectif est de planter la graine avec cette école propositionnelle et de voir où cela nous mène."

Ce texte est la traduction d’un article paru sur Arabnews.com

DJEDDAH : Art Jameel a inauguré jeudi l'exposition "Gulf Art Movements", qui retrace l'évolution des créateurs modernes dans le golfe Persique entre les années 1930 et le début des années 2000.

L'exposition à Hayy Jameel à Jeddah, intitulée "Redrawing the Boundaries : Art Movements and Collectives of the 20th Century Khaleej" a été inaugurée le 22 mai et se poursuivra jusqu'au 15 octobre.

Elle présente des œuvres de plus de 50 artistes, provenant de 20 collections publiques et privées, et retrace l'évolution des mouvements artistiques modernes dans le golfe Persique des années 1930 au début des années 2000.

L'exposition "Redrawing the Boundaries" explore l'émergence et le développement des principaux mouvements artistiques à Bahreïn, au Koweït, à Oman, au Qatar, en Arabie saoudite et dans les Émirats arabes unis.

Elle examine la manière dont les artistes ont réagi aux bouleversements de leur environnement urbain et de leur société, tout en abordant des thèmes tels que l'évolution des paysages, les sphères publiques et privées et l'essor des institutions artistiques officielles.

L'exposition comprend des œuvres de la collection Art Jameel ainsi que des prêts de collections publiques et privées de premier plan, dont Mathaf : Arab Museum of Modern Art, Barjeel Art Foundation, la collection du ministère de la culture, des sports et de la jeunesse du Sultanat d'Oman, et la Sharjah Art Foundation.

Avec plus de 80 œuvres, l'exposition met en lumière une variété d'influences, du folklore et des traditions locales aux mouvements modernistes occidentaux, en passant par les cultures visuelles égyptiennes et sud-asiatiques.

De l'abstraction calligraphique de Hurufiyya, un mouvement artistique explorant le potentiel de l'écriture arabe, à l'éthique expérimentale de collectifs tels que The Five, The Circle et Shatta Collective, l'exposition capture l'esprit d'innovation qui a défini une génération d'artistes.

Ces artistes ont non seulement façonné les mouvements artistiques nationaux, mais ils ont aussi travaillé en collaboration, fondé des institutions et envisagé de nouveaux avenirs pour l'art dans le Golfe.

L'exposition s'inscrit dans le prolongement d'une autre exposition organisée par Aisha Stoby, intitulée "Khaleej Modern : Pioneers and Collectives from the Arabian Peninsula", qui s'est tenue à la New York University Abu Dhabi Art Gallery en 2022.

Dans un entretien exclusif avec Arab News, Aisha Stoby s'est exprimée sur son approche curatoriale.

"Il s'agit d'artistes qui ne sont pas seulement des figures fondatrices de leurs pratiques, qui sont sans conteste des chefs de file des mouvements artistiques dans leur propre pays, mais qui ont été influents à travers tous ces critères.

"Ils établissaient des institutions, jouaient un rôle de mentor et construisaient des mouvements. C'était donc au-delà de l'œuvre d'art".

L'exposition est organisée en quatre sections thématiques : "Le paysage et la sphère publique", "L'identité et l'espace privé", "L'abstraction et l'éphémère" et "La nouvelle vague conceptuelle".

Stoby a déclaré : "Pour moi, ce qui est apparu très clairement, c'est que si l'on examine le matériel par thème, il s'accompagne de chronologies et de géographies.

"Il m'a semblé que la manière la plus naturelle de faire ressortir ces conversations était de les placer dans une structure thématique", a-t-elle ajouté.

L'exposition s'ouvre sur une paire de peintures dans la première section, consacrée au paysage et à l'espace public. Les deux œuvres, réalisées par Abdulkarim Al-Orrayed et Abdulhalim Radwi, donnent le ton d'un dialogue entre les villes, les histoires et les héritages artistiques.

Al-Orrayed, figure emblématique de l'art moderne bahreïnien et force fondatrice de nombreux ateliers et institutions artistiques, présente une grande peinture qui capture le développement de Manama - ses maisons, ses bâtiments et l'évolution de son identité urbaine.

À l'inverse, l'œuvre de Radwi capture l'effervescence du quartier historique de Jeddah, Al-Balad. Sa représentation du mouvement et de l'agitation évoque le riche rythme culturel de la ville.

Exposées côte à côte, ces œuvres créent l'un des moments préférés de Stoby dans l'exposition, "Une conversation entre deux centres-villes", reflétant des expériences régionales partagées à travers des lentilles locales.

La deuxième section présente des œuvres historiques et profondément émotionnelles, notamment deux œuvres évocatrices de l'artiste koweïtienne Thuraya Al-Baqsami.

Créées pendant la guerre du Golfe, l'une d'entre elles, "Note to the Invasion" et "The Parting", représente deux personnes qui s'aiment et qui sont séparées. L'œuvre explore les thèmes de la séparation, de la perte, de la migration et de la résilience.

"Une œuvre reflète la dévastation d'un conflit, tandis que l'autre parle de la tendresse douloureuse d'amoureux séparés par la guerre. Ces œuvres d'art font plus que documenter - elles humanisent un traumatisme collectif vécu dans le Golfe", a déclaré M. Stoby.

Dans la troisième section, consacrée à l'abstraction et à l'éphémère, un autre mur accueille les visiteurs avec trois œuvres interconnectées. Parmi elles, une œuvre d'Abdulhalim Radwi représentant le Hajj, provenant du Mathaf : Musée arabe d'art moderne.

"Il s'agit d'un acte symbolique de retour à la maison, puisque l'œuvre retourne à Djeddah, la ville qu'elle représente. À côté de l'œuvre, on trouve "Worshippers Leaving the Mosque" d'Abdulrahman Al-Soliman.

"Ensemble, ces peintures résonnent comme un dialogue spirituel entre deux artistes pionniers : l'un ancré à Djeddah, l'autre à Riyad.

"Le mur se prolonge avec les contributions de Khalifa Al-Qattan et Ali Al-Mahmeed, des artistes qui réfléchissent aux multiples façons dont la religion est vécue au quotidien dans la région", a déclaré M. Stoby.

Enfin, à l'étage supérieur, où les œuvres conceptuelles et les nouveaux médias occupent le devant de la scène, un film profondément symbolique de l'artiste omanais Anwar Sonya se distingue.

Connu pour ses paysages et ses relations artistiques transfrontalières, Sonya tourne ici son objectif vers la mémoire et le mythe. L'œuvre a commencé comme un documentaire sur une femme éminente qui dirigeait une institution artistique au Koweït.

Pendant le tournage, une lecture dans une tasse à café lui prédit une vie longue et dynamique, avant qu'elle ne décède peu de temps après.

"Le projet s'est transformé en une réflexion élégiaque sur la mortalité, le folklore et les fils invisibles qui lient les vies et les héritages. C'est devenu une œuvre d'art qui se penche sur sa mémoire", a déclaré M. Stoby.

Il dépeint "notre relation au mythe, ce qui est réel et le sens auquel nous pouvons nous raccrocher", a ajouté M. Stoby.

Nora Razian, directrice adjointe d'Art Jameel et responsable des expositions et des programmes, a déclaré que l'exposition "Redrawing the Boundaries" offrait "une refonte convaincante du modernisme".

Nora Razian a ajouté qu'elle apportait "une contribution significative à l'étude et à la compréhension d'une esthétique distincte qui s'est développée à travers le Khaleej, en se concentrant sur les années 1930 jusqu'au début des années 2000, une période de formation de l'État, de construction de la nation et de transformation sociale".

Elle ajoute que l'exposition "met en évidence les rôles critiques et fondamentaux que les artistes ont joués en façonnant les institutions et en cultivant des communautés créatives pendant les périodes de transformation". 

Ce texte est la traduction d’un article paru sur Arabnews.com 

PARIS: Marchande de rêves des petits devenus grands sur trois générations, Chantal Goya, éternelle Marie-Rose et cousine de Bécassine, fête à 82 ans ses cinquante ans de "music-hall pour enfants" avec une grande tournée des Zénith, jusqu'en mars.

La chanteuse se produira dimanche deux fois à guichets fermés, devant 7.000 fans au total, au Palais des Congrès de Paris, sa scène fétiche où elle a donné plus de 450 concerts.

QUESTION: Vous chantez depuis 1975 pour trois générations d'enfants. Quel regard portez-vous sur votre parcours ?

REPONSE: Tout est allé très vite et je n'arrive pas à réaliser. J'ai eu beaucoup de chance. Avec Jean-Jacques (Debout, son époux, NDLR), on a créé le music-hall pour enfants. Il a eu l'imaginaire que je n'ai pas. Sans lui, le personnage de Marie-Rose n'aurait jamais existé. Si je n'avais pas rencontré Jean-Jacques, je n'aurais jamais fait ce métier.

Q: Comment êtes-vous devenue chanteuse ?

R: Le 10 mai 1975, Jean-Jacques Debout m'a demandé au pied levé de remplacer Brigitte Bardot, malade, qui devait participer à une émission de Maritie et Gilbert Carpentier. Il m'a écrit la chanson "Adieu les jolis foulards". Après l'émission, personne n'en voulait pour en faire un disque et finalement, ça s'est fait. On en a vendu un million! Brigitte Bardot m'a toujours porté chance. Elle m'a donné beaucoup de conseils. Un jour, (la chanteuse) Barbara m'a dit: "Des gens vont se moquer de toi, mais il va falloir que tu t'accroches. Tu vois, tous les petits qui sont là, ils seront un jour papa et maman, ils reviendront avec leurs enfants et tu deviendras une institution". Je ne suis pas à la mode dans les médias, mais la plus belle radio, c'est radio papa-maman.

Q: Vous ne regrettez pas de ne pas avoir fait carrière au cinéma ?

R: À l'époque, je voulais être reporter de guerre et pas du tout artiste! Jean-Luc Godard me voulait pour "Masculin Féminin". Ça ne s'est pas très bien passé car je lui ai dit que je n'embrasse personne et que je ne joue pas nue. J'ai quand même fait le film jusqu'au bout, à mes conditions. Il m'a dit : "Vous ne serez jamais une vedette!". Je lui ai répondu: "Je m'en fous. J'ai une Vedette à la maison, ma machine à laver!"

Q: Vous êtes souvent décriée voire moquée. Comment le vivez-vous ?

R: Je m'en fous complètement! Je suis une toile cirée sur qui tout glisse! C'est ma force. J'ai un très fort caractère, comme l'avait ma mère. Donc je me défendrai toute ma vie!

Q: Connaissez-vous le trac ?

R: Pas du tout, au contraire. Chaque spectacle est une fête et je suis très contente. Vous savez, le public, c'est ma famille. Quand je vais voir quelqu'un de ma famille, je suis la plus heureuse. Pour cette tournée anniversaire, je suis émue. Mais je m'interdis de pleurer, sinon tout le monde va pleurer.

Q: À quoi va ressembler votre jubilé sur scène à Paris et en tournée ?

R: Je serai accompagnée de douze danseuses et dix enfants. Ce sera un mélange de mes grands spectacles, "Le soulier qui vole", "La planète merveilleuse", "Le mystérieux voyage" et "L'étrange histoire du château hanté". Jean-Jacques m'a écrit deux nouvelles chansons, "50 ans d'amour" et "Ainsi", qui racontent ma vie en trois minutes.

Q: Qu'allez-vous dire à votre public ?

R: Je ne saurai comment le remercier de m'avoir un jour choisi pour donner du rêve, en le transmettant à leurs enfants et petits-enfants. Le spectacle est aussi dans la salle: les enfants viennent déguisés en lapin, en chat botté ou en Bécassine et je les invite sur scène. C'est merveilleux!

Q : Vous fêterez vos 83 ans le 10 juin. Pensez-vous à la retraite ?

R : Je ne connais que la retraite aux flambeaux! Je n'ai pas fini! J'ai tellement d'idées dans la tête. Depuis toujours, j'ai la niaque et j'ai la chance d'être en bonne santé. Mes danseuses de 25 ans me demandent comment je fais car j'ai l'âge de leur grand-mère. Je ne veux pas mourir sur scène pour ne pas faire pleurer les petits enfants".